Fuera de ruta: «La Aguja»

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Mujeres y hombres de todos los lugares de la sociedad se dan cita en la casa de Quiñones para alcanzar la perfección física y entrar a las huestes de la normalidad gracias al buen tino de una aguja.

Vista fija de «La Aguja», filme de José Correa Vigier y Carmen Oquendo Villar (2012).

Lilliana Ramos Collado

Preguntarse por lo queer es tomar la oportunidad de extraviar la respuesta. Porque lo queer nos sorprende siempre desde el titubeo del lenguaje a la hora de escoger el género que somos, el titubeo cuando asumimos el riesgo de lanzarnos fuera de la ruta recta —“straight”—, de andar al sesgo, fuera del camino de la cabra. Sobre todo, lo queer tiene que ver con asumir una sexualidad des-orientada, aceptar que nuestro cuerpo es tan nomádico como nuestra mente. Dejar que nuestro cuerpo también sea otro del que es.

Lo queer no termina en el ser o no ser homosexual o lesbiana. Se refiere a asumirse como constante proyecto en perpetua invención, a ser siempre hechura propia. Decidir sobre nuestro propio cuerpo y desarrollar los usos para nuestra personalísima máquina humana es la ocasión de lo queer.

Ese es el asunto primordial que exploran Carmen Oquendo Villar y José Correa Vigier, co-directores del largometraje documental titulado La aguja. El film, editado por Carla Cavina y producido por Felipe Tewes, asedia los procesos de esa invención, los medios y las posibilidades que cualquiera tiene de aferrarse a lo queer. En esta ocasión, el agente de cambio se llama José Quiñones, una especie de chamán contemporáneo quien, como los santeros en las botánicas, administra ungüentos, pócimas y otras substancias a una enorme diversidad de personas a quienes urge reparar un cuerpo maltrecho, viejo o feo. Mujeres y hombres de todos los lugares de la sociedad se dan cita en la casa de Quiñones para alcanzar la perfección física y entrar a las huestes de la normalidad gracias al buen tino de una aguja.

Chiquitear el monumento: Dos instancias de arte comprometido

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“Ícaro, cegado por la elación de la subida, fracasó y cayó; cayó para fracasar. El suyo fue un viaje hacia arriba que se vino abajo… Independientemente de lo que creamos o imaginemos, en un nivel muy profundo, no haber caído hubiera significado fracasar.” —Tacita Dean “Y cayó al mar”, en Desaparición en el mar (1996-99).

Mizery en proceso de maquillarse para su espectáculo. Vista fija de «Mizery», vídeo de Carmen Oquendo Villar et al.

por Lilliana Ramos Collado

En un enjundioso ensayo sobre las múltiples paradojas del arte comprometido, Jacques Rancière se tropieza con uno de los rasgos más desconcertantes del arte: el fracaso. Aunque Rancière nunca enuncia esta palabreja, redondea su argumento sobre los retos actuales del arte comprometido diciendo, y traduzco de la versión inglesa de su ensayo: “una de las aportaciones más interesantes a la puesta en situación del nuevo paisaje de lo sensible la han hecho formas de arte que aceptan su insuficiencia […] o prácticas artísticas que infiltran el mundo del mercado y de las relaciones sociales pero se quedan lo más contentas de ser imágenes en cibachrome, en pantallas o en monitores.”[1]

Gestos pequeños e íntimos sin aspiraciones globales parecen ser, según Rancière, formas de arte mucho más reveladoras y que eventualmente pudieran tener un impacto en la esfera de lo político en tanto “interrogan el poder de la representación”.[2] Son “arte crítico” porque intentan producir una nueva percepción del mundo y crear un compromiso con su transformación, manteniendo, a pesar de su gesto concienciador, la voluntad de mantenerse dentro del espacio privado, blandir el gesto íntimo y expresar cómo el fracaso de la obra de arte crítica le permite ganar impacto político más allá del tiempo y el espacio inmediatos.

Esta intuición de que el gesto mínimo en el arte es arma de concienciación social es esencial. Si bien puede afirmarse que mucho del proyecto del arte comprometido se basa en la pretensión de causar en el espectador un radical cambio de conducta, lo cierto, sin embargo, es que con frecuencia se trata de persuadir a los que ya están convertidos, y en caso de que no lo estén, no hay manera de calcular o prever el impacto deseado. De hecho, Rancière advierte que el arte crítico, destinado a concienciar al público en una conducta social esclarecida, debe siempre enfrentarse a un mundo en disenso que ni siquiera tiene la coherencia para detectar cuáles son los issues a criticar o las conductas a esclarecer. La denuncia directa con frecuencia se vuelve clichosa y, por lo tanto, inútil.

Por el ojo de «La aguja»: otra mirada sobre la «otra» belleza

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por Lilliana Ramos Collado

“Il semble dès lors légitime de parler d’esthetiques de la documentation. Cette qualité plastique que les artistes conferent à leurs documents invite à les interpreter, à les exposer et à les collectioner comme des oeuvres… Amputés de leur valeur documentaire, ils sont apprehéndés comme des oeuvres autonomes.”
—Anne Bénichou[1]

“Como dettaglio, el detalle es un momento que constituye un acontecimiento en el cuadro, que tiende irresistiblemente a detener la mirada, a perturbar la economía de su recorrido… [E]s también un momento privilegiado en que el placer del cuadro tiende a convertirse en el gozo de la pintura.”
—Daniel Arasse[2]

Quiñones inyecta a Kelly con el biopolímero. Vista fija del documental «La aguja» (2011), Oquendo Villar y Correa Vigier, dirs.

Cuando hace más de dos años la cineasta Carmen Oquendo Villar [para más sobre Carmen Oquendo Villar, pulsa aquí: http://www.oquendovillar.com/ ] me hablaba sobre un documental en curso titulado La aguja —que desarrollaba mano a mano junto a José Correa Vigier y que fue editado por Carla Cavina—, y cuando poco después me dejó asomarme a una breve muestra del mismo, lo que primaba en ese documental-de-ficción (como lo llamamos en broma mientras sorbíamos un cafecito riiiico en casa) era el exceso: la cantidad de horas de filmación, el escandaloso número de “personajes”, el excedente de temas, la sobreabundancia de pasiones, de intereses, de conflictos.

La historia es aparentemente simple: un homosexual llamado José Quiñones se dedica a administrar —a una población diversa aunque, en general, pobre, interracial y de poca escolaridad— remedios contra rasgos que ellos perciben como defectos del cuerpo. El día a día transcurre en la administración de estos remedios, si bien se nos advierte que la captura de estas escenas se realiza en las semanas anteriores a una Navidad reciente. El pensamiento en las fiestas se tiñe de la melancolía de la soledad, de recuerdos de una familia que ha rechazado a Quiñones, y del hecho de que ha construido una nueva familia de entre sus clientes, en especial, Kelly y Maybelline, dos jóvenes prostitutas travestidas que acuden a su casa a buscar maquillajes, suplementos “nutricionales” y substancias ilegales para el mejoramiento de su apariencia física. Rodeado de animales de todo tipo, y con una casa llena de bibelots, cursilerías y extravagancias, Quiñones lleva una vida rodeada del agradecimiento de sus clientes. El documental-de-ficción agarra al protagonista en medio de sus tareas y ahí mismo lo deja, en una vida sin cambio aparente que no sea el acto ilusionista de otorgar belleza y bienestar a otros.